David Lean ha saputo coniugare magistralmente il senso del grande spettacolo con la profondità dell’introspezione narrativa. È stato un innovatore della regia epica, capace di trasformare storie personali e intime in racconti universali, ambientati in scenari grandiosi che diventano parte integrante del dramma umano.
Film come Lawrence d’Arabia o Il ponte sul fiume Kwai non solo hanno ridefinito il concetto di cinema epico, ma hanno anche influenzato generazioni di registi per l’uso del paesaggio come estensione psicologica dei personaggi e per l’equilibrio tra ritmo, tensione e bellezza formale. La sua eredità vive ancora oggi nello stile visivo e narrativo di molti autori contemporanei.
Geografie interiori: i temi ricorrenti di David Lean
Nella filmografia di David Lean ricorrono spesso i temi dell’identità in crisi, del conflitto tra individuo e società, e della tensione tra dovere e desiderio. I suoi protagonisti sono spesso personaggi divisi, sospesi tra ambizioni personali e forze più grandi di loro: la guerra, l’impero, il tempo, la morale. La solitudine emerge come condizione esistenziale, anche nei contesti più affollati o spettacolari, e l’ambiente – spesso grandioso e ostile – diventa specchio dei loro turbamenti interiori. L’illusione del controllo, la caduta della razionalità, e il confronto con l’ineluttabile segnano il percorso di molti dei suoi eroi, siano essi ufficiali britannici, amanti borghesi o rivoluzionari romantici.
La misura dell’epico: lo stile di David Lean
Lo stile di David Lean è caratterizzato da un equilibrio raffinato tra grandiosità visiva e profondità emotiva. Regista meticoloso, univa l’epica narrativa al dettaglio psicologico, costruendo storie in cui i paesaggi vasti e solenni riflettono gli stati d’animo dei personaggi. La sua regia è riconoscibile per l’uso lirico del montaggio, la composizione precisa dell’inquadratura e la capacità di trasformare il tempo e lo spazio in elementi drammatici. Nei suoi film, l’estetica non è mai fine a sé stessa: ogni scelta visiva serve a far emergere conflitti interiori, dilemmi morali e tensioni storiche.
1945
In BREVE INCONTRO (Brief Encounter) l’amore può essere intenso e autentico anche se impossibile da vivere, e il sacrificio diventa una forma di nobiltà.
TRAMA: Una donna e un uomo sposati si incontrano per caso in una stazione ferroviaria e sviluppano una relazione che devono interrompere per rispettare le convenzioni sociali.
ACCOGLIENZA: Acclamato dalla critica, è considerato un classico del melodramma britannico.
AWARDS SEASON: candidato a 3 Oscar (miglior attrice, miglior regia, miglior sceneggiatura)
CURIOSITÀ: Questo è stato
il primo film di David Lean a utilizzare treni e stazioni ferroviarie, che sarebbero diventati un marchio di fabbrica del suo lavoro. Dopo il successo del film, il regista fu avvicinato da un uomo arrabbiato in una stazione ferroviaria, che gli disse quanto odiasse il film: “Si rende conto, signore, che se Celia Johnson ha potuto contemplare l’idea di tradire suo marito, mia moglie potrebbe contemplare l’idea di tradire me?”. Nel 1974 fu realizzato un remake del film per la TV con Sophia Loren e Richard Burton, debuttando negli Stati Uniti come parte della Hallmark Hall of Fame, ma non fu un successo di critica.
1946
In GRANDI SPERANZE (Great Expectations) il desiderio di riscatto sociale si scontra con le sfide morali e i sentimenti.
TRAMA: La storia di Pip, un giovane orfano che sogna di diventare gentiluomo, e del suo rapporto complesso con Estella e Miss Havisham.
ACCOGLIENZA: Considerato uno dei migliori adattamenti di Dickens, apprezzato per l’atmosfera gotica e la profondità emotiva.
AWARDS SEASON: 2 Oscar (miglior fotografia in bianco e nero, miglior scenografia in bianco e nero) su 5 nominations (miglior film, miglior regia, miglior sceneggiatura)
CURIOSITÀ: David Lean non era un lettore particolarmente appassionato e si rese conto del potere della storia di Dickens solo quando sua moglie, Kay Walsh, lo trascinò a vedere una produzione teatrale di “Great Expectations” nel 1939. In quella produzione, Alec Guinness interpretava Herbert Pocket, ruolo che poi riprese nel film.
1948
Nella sua versione di LE AVVENTURE DI OLIVER TWIST emerge con forza la critica sociale contro le ingiustizie e le disuguaglianze.
TRAMA: Le difficoltà e le avventure di Oliver, un orfano nella Londra vittoriana, che affronta povertà e crudeltà.
ACCOGLIENZA: Riconosciuto per la sua atmosfera cupa e la regia intensa, consolidò la fama di Lean.
AWARDS SEASON: candidato ai BAFTA per la categoria Miglior film britannico
CURIOSITÀ: L’uscita nelle sale statunitensi fu posticipata al 1951 a causa delle forti proteste di gruppi di pressione sionisti. Questi ultimi giudicarono antisemita l’interpretazione del personaggio di Fagin da parte di Sir Alec Guinness. In particolare, il naso finto indossato dall’attore per il ruolo fu oggetto di accese critiche, in quanto ritenuto una caricatura stereotipata e offensiva dell’aspetto ebraico.
1957
Nel film IL PONTE SUL FIUME KWAI spicca il conflitto tra dovere, orgoglio e follia, e le conseguenze dell’ossessione.
TRAMA: Prigionieri britannici durante la Seconda Guerra Mondiale sono costretti a costruire un ponte per i giapponesi; il colonnello Nicholson si ossessiona con la disciplina e il completamento del progetto.
ACCOGLIENZA: Capolavoro acclamato dalla critica e dal pubblico, riconosciuto per regia, sceneggiatura e recitazione.
AWARDS SEASON: 7 Oscar (miglior film, miglior regia, miglior attore protagonista, miglior sceneggiatura non originale, miglior fotografia, miglior montaggio, miglior colonna sonora) su 8 nominations (miglior attore non protagonista)
CURIOSITÀ: Gli sceneggiatori
Michael Wilson e Carl Foreman erano stati inseriti nella lista nera di Hollywood dopo essere stati accusati di avere legami con il comunismo all’epoca in cui il film fu girato, e non vennero accreditati. L’unico riconoscimento per lo script, e quindi l‘Oscar per la migliore sceneggiatura non originale, andarono a Pierre Boulle, che scrisse il romanzo originale francese, ma non parlava inglese. Chiaramente, non aveva scritto la sceneggiatura inglese, e questo diede origine a una lunga controversia tra l’Academy e gli autori stessi per ottenere il riconoscimento per il loro lavoro. Nel 1984, l’Academy assegnò retroattivamente l‘Oscar a Wilson e Foreman. Purtroppo, Wilson non visse abbastanza a lungo per vederlo, e Foreman morì il giorno dopo l’annuncio. Quando il film fu restaurato, i loro nomi furono aggiunti ai titoli di coda
1962
In LAWRENCE D’ARABIA (Lawrence of Arabia) spicca l’esplorazione dell’identità, del mito e della solitudine di un leader carismatico.
TRAMA: La vita e le imprese di T.E. Lawrence, ufficiale britannico che guidò la rivolta araba contro l’Impero Ottomano durante la Prima Guerra Mondiale.
ACCOGLIENZA: Considerato uno dei più grandi film della storia del cinema, con enorme successo di critica e pubblico.
AWARDS SEASON: 7 Oscar (miglior film, miglior regia, miglior fotografia, miglior scenografia a colori, miglior montaggio, miglior sonoro, miglior colonna sonora) su 10 nominations (miglior attore, miglior attore non protagonista, miglior sceneggiatura non originale).
CURIOSITÀ: Per filmare l’ingresso di Omar Sharif attraverso un miraggio, Freddie Young usò uno speciale obiettivo da 482 mm della Panavision. La Panavision possiede ancora questo obiettivo, noto tra i direttori della fotografia come “obiettivo David Lean”. Fu creato appositamente per questa ripresa e da allora non è più stato utilizzato.
1965
In DOTTOR ZIVAGO (Doctor Zhivago) l’amore e l’arte resistono ai tumulti della storia, anche se a caro prezzo.
TRAMA: racconta l’epica e tormentata vita di Yuri Živago, medico e poeta, sullo sfondo della Prima Guerra Mondiale, della Rivoluzione Russa e della Guerra Civile. La sua storia si intreccia con quella di Lara Antipova, una donna con cui vive una passione proibita e struggente. Mentre la Russia è sconvolta dagli eventi storici, Yuri e Lara sono ripetutamente separati e riuniti, in un’epopea di amore, perdita e sopravvivenza che segna per sempre il loro destino.
ACCOGLIENZA: Successo commerciale e critico, noto per la sua epica narrativa e bellezza visiva.
AWARDS SEASON: 5 Oscar (miglior sceneggiatura non originale, miglior fotografia, miglior scenografia a colori, migliori costumi, miglior colonna sonora) su 10 nominations (miglior film, miglior regia, miglior attore non protagonista, miglior sonoro, miglior montaggio)
CURIOSITÀ: La critica stroncò il film all’uscita. Newsweek lo descrisse come “set da quattro soldi” e “fotografia pallida“. Il regista
David Lean ne fu così profondamente colpito che giurò di non fare mai più un altro film. Grazie in parte alla campagna marketing della MGM e al forte passaparola, questo divenne il secondo film di maggior incasso del 1965, dopo Tutti insieme appassionatamente. Inoltre Jane Fonda rifiutò il ruolo di Lara perché non voleva andare in Spagna per nove mesi. Diverse settimane dopo cambiò idea e disse al suo agente che voleva farlo, ma era troppo tardi. Nel 2014, Fonda ha dichiarato che, di tutti i film che ha rifiutato, questo è quello di cui si pente di più.
1970
In LA FIGLIA DI RYAN (The Daughter of Ryan) esplora i temi del conflitto culturale, dell’identità e delle tensioni sociali tra Irlanda e Inghilterra.
TRAMA: Ambientato nell’Irlanda del XIX secolo, racconta la storia di Rosy Ryan, una giovane donna sposata con un ufficiale britannico che lotta tra le sue radici irlandesi e il suo matrimonio con un uomo distante.
ACCOGLIENZA: Ricevette critiche miste, apprezzato per la fotografia e l’ambientazione, ma meno per la narrazione rispetto ai precedenti film di Lean.
AWARDS SEASON: 2 Oscar (miglior attore non protagonista, miglior fotografia) su 4 nominations (miglior attrice protagonista, miglior sonoro)
CURIOSITÀ: Molti ritenevano che Robert Mitchum fosse una scelta insolita per interpretare il ruolo di un timido e distaccato insegnante irlandese. Tuttavia, il regista Sir David Lean aveva una visione precisa: credeva che selezionare attori per ruoli inaspettati rendesse i suoi film più avvincenti e interessanti. A Paul Scofield fu offerto il ruolo di Charles Shaughnessy, ma lo rifiutò. Il produttore suggerì poi Gregory Peck, di origini irlandesi e, a quanto pare, entusiasta del ruolo, ma il regista lo rifiutò perché troppo stereotipato.
1984
In PASSAGGIO IN INDIA (A Passage to India) le incomprensioni culturali e il pregiudizio sembrano ostacolare ogni vera amicizia tra oppressori e oppressi.
TRAMA: Ambientato nell’India coloniale, esplora le tensioni tra britannici e indiani scatenate da un misterioso incidente.
ACCOGLIENZA: Acclamato per la sensibilità con cui trattava temi di razzismo e colonialismo.
AWARDS SEASON: 2 Oscar (miglior attrice non protagonista, miglior colonna sonora) su 11 nominations (miglior film, miglior regia, miglior attrice protagonista, miglior sceneggiatura non originale, miglior fotografia, miglior scenografia, migliori costumi, miglior sonoro, miglior montaggio)
CURIOSITÀ: L’unico film di quell’anno candidato come miglior film agli Academy Awards, ma non come miglior film drammatico ai Golden Globes. La critica più forte riguardava il fatto che un attore bianco, per quanto talentuoso e rinomato come Sir Alec Guinness, fosse stato scelto per interpretare un personaggio indiano (un brahmino induista). Questa pratica, definita “whitewashing“, era ed è tuttora oggetto di forti polemiche nell’industria cinematografica, in quanto sottrae opportunità a talenti locali e perpetua l’idea che attori caucasici siano intercambiabili in qualsiasi ruolo, indipendentemente dall’etnia del personaggio. Nel contesto di un film che esplora le tensioni coloniali tra britannici e indiani, la scelta fu percepita da molti come particolarmente problematica e insensibile.
–Eccesso di monumentalismo: soprattutto nei suoi ultimi lavori (Lawrence d’Arabia, Il dottor Živago, La figlia di Ryan), alcuni critici hanno accusato Lean di privilegiare lo spettacolo e l’estetica grandiosa a discapito dell’introspezione psicologica o della spontaneità narrativa.
–Emotività contenuta o distante: nei primi film, come Breve incontro, lo stile sobrio e trattenuto fu apprezzato per la sua eleganza, ma anche criticato da alcuni per il suo eccessivo pudore emotivo.
–Rappresentazioni coloniali e ideologiche discutibili: Lawrence d’Arabia, in particolare, è stato oggetto di revisione critica per la rappresentazione orientalista e per una visione del mondo filtrata dall’ottica occidentale.
-Dialoghi e ritmo poco naturali: alcuni film (in particolare La figlia di Ryan) furono accusati di lentezza narrativa e dialoghi artificiali, elementi che all’epoca ne limitarono la ricezione critica nonostante l’eccellenza tecnica come la straordinaria fotografia
-Critiche interne all’industria: registi della Nouvelle Vague come François Truffaut e Jean-Luc Godard criticarono Lean come esempio di un cinema “accademico”, troppo curato e poco vitale, contrapposto alla libertà stilistica che auspicavano.
David Lean ha lasciato un’impronta profonda nel cinema mondiale, e i riferimenti e omaggi alla sua opera sono numerosi, sia sul piano visivo che tematico.
Steven Spielberg ha spesso definito Lean una delle sue maggiori ispirazioni. Ricorda con particolare emozione un “commento del regista dal vivo” di Lean durante la proiezione di Lawrence d’Arabia, un’esperienza che, a suo dire, ha influenzato ogni film che ha realizzato in seguito, specialmente per il modo in cui Lean utilizzava il paesaggio per esprimere l’interiorità dei personaggi, e per il senso epico e la costruzione narrativa che si ritrovano in Schindler’s List e Salvate il soldato Ryan. Curiosamente, Lean avrebbe dovuto dirigere L’Impero del Sole, ma l’età avanzata lo portò a passare il progetto proprio a Spielberg. Tuttavia, il loro rapporto non fu sempre idilliaco: Spielberg raccontò come Lean interruppe i contatti dopo che la Warner Bros. si rifiutò di aumentare il budget per il suo progetto di Nostromo, nonostante l’intercessione di Spielberg.
Anche Martin Scorsese ha espresso profonda ammirazione per Lean, citando in particolare Breve incontro e Grandi Speranze e includendo spezzoni dei suoi film in documentari come A Personal Journey with Martin Scorsese Through American Movies.
Pur avendo uno stile differente, Christopher Nolan ha riconosciuto Lean come un modello per il cinema spettacolare ma intellettualmente raffinato, e l’ambizione epica di Oppenheimer ne è un chiaro richiamo.
- Lawrence d’Arabia (1962)
–Scena iconica–
L’arrivo di Omar Sharif nell’oasi, con una figura che emerge lentamente dalla distorsione dell’aria nel deserto.
OMAGGI
“Il paziente inglese” (1996) di Anthony Minghella riprende l’estetica epica del deserto e l’uso del paesaggio come specchio emotivo.
“Star Wars: Una nuova speranza” (1977) di George Lucas, per l’ambientazione su Tatooine e i campi lunghissimi nel deserto, ricorda fortemente l’approccio visivo di Lean.
“Il Petroliere” (2007) di Paul Thomas Anderson: l’uso del silenzio, del vuoto e della scala paesaggistica richiama Lean in chiave drammatica e introspettiva.
- “Il ponte sul fiume Kwai” (1957)
-Scena iconica-
La costruzione del ponte e la marcia dei prigionieri sulle note del “Colonel Bogey March”.
OMAGGI
In “Apocalypse Now” (1979), Francis Ford Coppola richiama la discesa morale e psicologica della guerra con la stessa ampiezza narrativa e ambiguità morale.
La marcia ironica dei prigionieri è stata citata e parodiata in molti contesti pop, tra cui “I Simpson” e “Mr. Bean“.
- “Breve incontro” (1945)
-Scena iconica-
L’addio dei protagonisti nella sala da tè della stazione, disturbato dall’arrivo di un’amica chiacchierona.
OMAGGI
“Carol” (2015) di Todd Haynes: la scena del commiato in un luogo pubblico, intimo ma esposto, è un chiaro rimando al film di Lean.
“Before Sunrise” (1995) di Richard Linklater riprende il tono sospeso e contemplativo dell’incontro tra due estranei destinati a separarsi.
4. “Il dottor Živago” (1965)
-Scena iconica-
I paesaggi innevati, la casa ghiacciata, le carrozze nella steppa.
OMAGGI
In “Il paziente inglese“ (1996) e “Ritorno a Cold Mountain“ (2003) si ritrova l’uso dell’epica romantica tra guerra e separazione.
Il regista Joe Wright, in “Anna Karenina“ (2012), richiama l’estetica visiva teatrale e l’uso emotivo della neve.
Il rigore del maestro tra genio e follia
David Lean era celebre per il suo perfezionismo quasi maniacale, un tratto che definiva tanto il suo genio quanto la difficoltà di lavorare con lui. Ogni inquadratura doveva essere calibrata con precisione assoluta, ogni dettaglio — dalla luce naturale alla posizione delle comparse — doveva contribuire all’armonia visiva del quadro. Non accettava compromessi né scorciatoie, e pretendeva lo stesso rigore da ogni membro della troupe.
Un esempio emblematico di questa ossessione si trova durante le riprese di Lawrence d’Arabia. La celebre sequenza dell’arrivo di Sherif Ali (Omar Sharif), in cui il personaggio emerge lentamente da una distorsione termica nel deserto, venne girata decine di volte. Lean voleva che l’apparizione risultasse mitica, quasi irreale: il lento materializzarsi di una figura nell’infinito vuoto del deserto doveva essere perfetto sia dal punto di vista tecnico che narrativo. Per ottenere l’effetto desiderato, ordinò almeno 27 riprese, e il risultato finale è considerato uno dei momenti più iconici della storia del cinema.
Questo livello di controllo si estendeva anche al montaggio, spesso curato da lui stesso o supervisionato minuziosamente. Lean vedeva il montaggio non solo come un’arte tecnica, ma come un prolungamento della regia, dove il ritmo, i silenzi e le transizioni diventavano strumenti espressivi pari alla recitazione o alla fotografia.
Il suo perfezionismo, tuttavia, generava anche tensioni. Alcuni attori e collaboratori lo trovavano difficile da accontentare, e non pochi confessarono di sentirsi frustrati o esausti sotto la sua direzione. Alec Guinness, che lavorò con lui in sei film, pur stimandolo profondamente, ebbe momenti di forte conflitto sul set. Tuttavia, anche chi criticava la sua severità riconosceva che la visione di Lean — spesso più grande del singolo film — produceva risultati di rara potenza e bellezza.
Inoltre amava creare tensione e spingere gli attori al limite, talvolta solo per suo divertimento, come riportato da Sarah Miles. Nonostante questo, ha diretto ben undici attori in performance nominate all’Oscar, di cui tre (Alec Guinness, John Mills e Peggy Ashcroft) hanno vinto la statuetta.
Dal ritiro forzato al trionfale ritorno
Lean fu profondamente colpito dalle critiche feroci, in particolare quelle di Pauline Kael, rivolte a La figlia di Ryan (1970) che venne accolto in modo tiepido dal pubblico e stroncato dalla critica, che lo accusò di essere eccessivamente lento, manierato e privo di emozione. Le critiche, a volte feroci, colpirono profondamente Lean, che era molto sensibile alla ricezione critica dei suoi lavori.
Il regista rimase talmente scosso da decidere di ritirarsi per un lungo periodo dall’attività cinematografica. In realtà, continuò a lavorare a diversi progetti — tra cui un adattamento di Mutiny on the Bounty e un’ambiziosa versione cinematografica del Nostromo di Conrad — ma nessuno andò in porto per via di ostacoli produttivi, disaccordi creativi o mancanza di finanziamenti.
Solo nel 1984, dopo ben 14 anni di silenzio, Lean tornò al cinema con Passaggio in India, tratto dal romanzo di E.M. Forster. Fu un ritorno trionfale: il film ricevette 11 nominations agli Oscar, vincendone 2 (migliore attrice non protagonista e miglior colonna sonora), e venne lodato per la sua eleganza formale, la profondità psicologica e la straordinaria direzione degli attori. Lean curò anche il montaggio e la sceneggiatura del film, dimostrando di aver conservato intatta la sua maestria.
Paradossalmente, proprio La figlia di Ryan — il film che lo aveva “messo in esilio” — è stato rivalutato negli anni successivi, considerato oggi da molti critici un’opera visivamente straordinaria e anticipatrice di un certo cinema contemplativo.
